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Ryan
Les animations peuvent être un moyen de communication puissant et captivant lorsqu’elles sont bien faites. Pour créer des animations qui font une impression durable sur votre public, vous devez connaître les 12 principes de l’animation.
Les 12 principes de l’animation guident et aident les animateurs à créer des mouvements fluides et réalistes.
Il faut connaître les 12 principes de l’animation
Ces principes fondamentaux de l’animation ont été exposés pour la première fois par les animateurs de Disney, Ollie Johnston et Frank Thomas, dans le livre L’illusion de la vie : Disney Animation en 1981. Ces techniques sont essentielles tant pour l’animation traditionnelle dessinée à la main que pour l’animation moderne en 3D par ordinateur.
En tant qu’animateur débutant, la maîtrise de ces concepts de base peut aider à créer des personnages attachants qui captent l’attention de votre public.
Voyez notre cours “Introduction à l’animation” par le vétéran de Disney Tom Bancroft.
Dans ce billet de blog, nous explorerons chaque principe en détail et fournirons des exemples qui montrent comment ils fonctionnent en pratique.
Le timing et l’espacement sont deux principes d’animation de base qui contribuent à donner à l’animation ses qualités de vie. Ce sont les deux seuls concepts sur les 12 principes de l’animation qui créent une sensation de mouvement.
Le timing fait référence au nombre de dessins ou d’images utilisés par seconde pour créer un mouvement fluide. Il peut être manipulé en faisant varier les images par seconde (FPS) utilisées dans la scène. Moins d’images par seconde entraîneront un mouvement plus rapide, tandis que plus d’images par seconde généreront un mouvement plus lent.
L’espacement est la distance à laquelle deux dessins sont placés dans un laps de temps donné, souvent appelé “entre-deux” Un espacement plus large donne l’impression d’un mouvement rapide, tandis qu’un espacement plus rapproché donne l’impression d’un mouvement graduel.
En combinant les techniques de synchronisation et d’espacement, il est possible de créer un mouvement réaliste qui suit les lois de la physique. Par exemple, un mouvement lent peut créer une impression de lourdeur.
A l’inverse, un mouvement plus rapide peut suggérer une sensation de légèreté ou d’agilité. Cela permet aux animateurs de faire en sorte que les mouvements aient l’air crédibles et convaincants de la première image jusqu’à la fin.
Le squash et l’étirement donnent une impression de poids et de flexibilité aux objets dessinés ou générés par ordinateur, ce qui leur permet de se déplacer de manière plus réaliste.
Un objet doit se dilater et se comprimer lorsque des forces sont appliquées, comme lorsqu’un personnage saute ou qu’une balle frappe le sol. Cela permet également de faire en sorte qu’une animation semble dynamique et active plutôt que statique et sans vie.
Lorsqu’on utilise l’écrasement et l’étirement, il est important de se rappeler que le volume d’un objet doit rester cohérent même s’il semble écrasé ou étiré.
Lorsqu’un objet est comprimé ou allongé par des forces, sa forme globale devrait rester familière, mais sa largeur et sa profondeur devraient changer en conséquence.
Un excellent exemple du fonctionnement de l’écrasement et de l’étirement est celui d’une balle rebondissante. Lorsque la balle commence à tomber, elle s’étire avant l’impact comme si elle était tirée vers le bas par la gravité. Dès qu’elle touche le sol, elle se comprime avant de s’étirer et de retourner dans l’air à nouveau.
La compression et l’étirement aident à créer une sensation de vitesse et de poids pour ce type de mouvement qui serait autrement difficile à capturer sans cette technique d’animation.
Il s’agit d’une technique d’animation
L’anticipation permet de créer une tension en donnant au public le temps de réagir et de se préparer à l’animation qui va se dérouler. Elle consiste à introduire une légère pause ou un mouvement avant que l’animation principale ne se déroule.
Pensez à un golfeur qui balance son club vers l’arrière avant de frapper la balle ou à un danseur qui se penche avant de s’élancer dans les airs.
Il s’agit d’un mouvement de pause
Il est également utile pour des actions moins physiques, comme un personnage qui regarde hors de l’écran en attendant l’arrivée de quelqu’un ou qui jette un coup d’œil sur un objet qu’il s’apprête à ramasser.
L’anticipation contribue à rendre l’animation plus réaliste et permet aux spectateurs de comprendre plus facilement ce qui se passe dans une scène.
En utilisant l’anticipation, les animateurs peuvent créer des scènes avec un sens de l’humour et du drame qui se sentent crédibles et relatables. Cela ajoute également une couche supplémentaire de divertissement qui peut aider à garder le public engagé et intéressé par l’animation.
Les principes d’animation slow-in et slow-out sont essentiels lors de l’animation ou de la création de visuels pour représenter le mouvement. Ce concept permet au spectateur de comprendre que les objets et les personnages ont besoin de temps pour accélérer et décélérer, ce qui crée une sensation plus réaliste dans l’animation.
Les effets de ralentissement sont créés en dessinant des images supplémentaires près du début et de la fin d’une action pour lui donner un début et une fin plus graduels. Ceci est important car le mouvement dans le monde réel commence et se termine toujours lentement plutôt que brusquement.
Ce concept est particulièrement utile lors de l’animation de personnages effectuant une transition entre deux poses extrêmes, comme s’asseoir et se lever.
Ce concept s’applique à tout autre objet en mouvement qui peut apparaître dans une scène animée. Par exemple, des voitures qui ralentissent ou accélèrent au fur et à mesure qu’elles atteignent leur destination ou des oiseaux qui battent des ailes lentement jusqu’à ce qu’ils atteignent leur vitesse maximale.
En utilisant le principe de l’animation au ralenti, les animateurs peuvent créer des mouvements plus vrais que nature, qui donnent l’impression d’être naturels et crédibles.
Le follow-through et le overlapping action sont des techniques d’animation qui mettent l’accent sur le mouvement, l’élan et l’inertie.
Le follow-through fait référence à l’idée qu’une fois qu’un personnage s’est arrêté, différentes parties du corps vont continuer à bouger avant de s’installer dans leur position finale de repos. Il peut s’agir de leurs mains, de leurs bras, de leurs vêtements et même de leurs cheveux.
Par exemple, lorsqu’un personnage saute en l’air, vous pouvez voir les vêtements de son corps, ses cheveux et d’autres accessoires traîner derrière lui lorsqu’il ralentit,
L’action chevauchante est très similaire sur le plan conceptuel, mais différente dans son exécution. Plutôt que de se concentrer sur l’élan global comme le fait le follow-through, ce principe concerne la façon dont les parties distinctes du corps se déplacent les unes par rapport aux autres au fil du temps.
Il s’agit d’une action de recouvrement
Cela signifie que différentes articulations ou zones du corps d’un personnage entreront et sortiront du mouvement à des rythmes différents – comme lors d’un signe de la main ou d’un geste exagéré avec les bras ou les jambes.
Un exemple pourrait être lorsqu’un personnage lève un bras au-dessus de sa tête : L’épaule bouge en premier, suivie par le bras qui se soulève, puis enfin, le coude suit comme s’il était à la traîne avant de s’installer dans sa position d’arrêt naturelle.
Ces deux principes peuvent être combinés pour des animations plus complexes, comme une course dont les bras se balancent d’avant en arrière tandis que les vêtements s’envolent derrière eux. Cela crée une scène plus détaillée avec plus de réalisme qui peut aider à attirer les spectateurs dans les histoires racontées par l’animation.
Les arcs sont l’un des principes fondamentaux de l’animation. Ce principe explique que les objets, les personnages et les créatures se déplacent en arcs naturels plutôt qu’en lignes droites.
Tous les êtres vivants ont des articulations, des muscles et d’autres parties du corps qui peuvent se plier et fléchir. Lorsqu’ils se déplacent, ils le font en courbes plutôt qu’en lignes droites rigides. Par conséquent, l’utilisation d’arcs dans l’animation ajoute un sentiment de réalisme aux mouvements, les faisant paraître plus vrais que nature.
A mesure que la vitesse ou l’élan augmente, les arcs ont tendance à s’aplatir dans le mouvement vers l’avant et à devenir plus larges et plus exagérés dans les virages.
Par exemple, lors de l’animation d’une personne qui court, ses bras doivent se balancer en un arc fluide d’avant en arrière plutôt que de rester au niveau de son torse tout au long du mouvement. Cela crée des mouvements plus fluides et ajoute un plus grand intérêt visuel que des mouvements linéaires constants.
Dans l’ensemble, les arcs sont un principe d’animation important qui doit être pris en compte lors de l’animation de n’importe quel mouvement
L’exagération amplifie certains aspects du mouvement, comme sa taille, sa forme et son moment. Elle peut mettre en évidence ou souligner certaines caractéristiques de l’action, offrant plus d’attrait et d’emphase sur les mouvements prévus.
Dans sa définition la plus basique, l’exagération peut rendre les mouvements plus extrêmes qu’ils ne le seraient dans la réalité. Cela permet d’ajouter de l’énergie et de l’excitation au mouvement pour un impact maximal.
Il s’agit de l’exagération
Cependant, l’exagération physique n’est pas la seule façon de l’utiliser. Selon le type de sentiment que vous essayez de transmettre, vous pouvez également exagérer en modifiant le timing ou l’espacement des actions.
Il est important de noter que l’exagération n’est pas seulement une convention employée dans les animations de dessins animés pour donner du relief comique et rendre les mouvements captivants. Elle peut également être appliquée avec retenue dans des productions plus réalistes, permettant aux animateurs d’améliorer leurs mouvements sans sacrifier le réalisme.
Le dessin solide consiste à créer un dessin précis en termes de volume, de poids, d’équilibre et d’anatomie dans une pose.
Pour créer un personnage tridimensionnel crédible, un animateur doit réfléchir en profondeur et comprendre comment le corps du personnage va bouger et interagir avec son environnement. Il doit également tenir compte de la façon dont le corps du personnage est posé pour assurer un équilibre et un poids corrects.
En comprenant les bases des formes 3D, de la lumière, de l’ombre et de l’anatomie, ils peuvent concevoir des personnages aux mouvements et aux émotions réalistes. Cela implique également de suivre des cours d’art ou de faire des croquis de vie pour mieux comprendre ces principes.
Nos cours “Fondamentaux du dessin” et “Dessin de figures pour les débutants” peuvent vous aider à acquérir ces compétences.
Les animateurs doivent éviter le ” jumelage “, qui crée une pose symétrique et en miroir lors de la conception des personnages. Par exemple, les mains sur les hanches ou dans les poches peuvent créer une pose peu attrayante et manquant d’intérêt.
Il est important d’éviter de créer une pose en miroir
L’attrait est un principe important de l’animation qui garantit que les spectateurs se connectent avec les personnages et leur histoire. Il peut être obtenu par divers aspects du design du personnage, des traits du visage aux attributs physiques en passant par les mouvements.
En exagérant certaines caractéristiques, comme une mâchoire proéminente ou des yeux juvéniles, les animateurs peuvent créer un design plus distinct qui résonne avec les téléspectateurs. De plus, l’attrait peut être obtenu en mettant l’accent sur le langage corporel et les mouvements, car cela aide à donner vie à la personnalité du personnage d’une manière à laquelle les téléspectateurs peuvent s’identifier.
L’importance de l’attrait ne s’applique pas seulement aux protagonistes de l’animation ; elle s’applique aussi aux méchants pour qu’ils deviennent des antagonistes mémorables. Les téléspectateurs doivent comprendre pourquoi le méchant a endossé son rôle et éprouver de l’empathie pour lui. Même s’ils sont censés être méchants, ils devraient tout de même avoir une certaine connexion avec les téléspectateurs afin qu’ils puissent se souvenir d’eux plus facilement.
En bref, l’attrait est un aspect essentiel de l’animation qui permet de créer des personnages mémorables avec lesquels les spectateurs peuvent se connecter ou du moins se souvenir longtemps après le visionnage.
L’action en ligne droite et la pose à la pose sont deux approches différentes pour créer une animation. Chacune a ses avantages et ses inconvénients.
L’action directe est une approche plus spontanée et linéaire où l’animateur dessine une image après l’autre dans une séquence ininterrompue. Cela permet une action rapide et une fluidité de l’animation au fur et à mesure de sa progression.
L’inconvénient de cette approche est qu’il peut être plus difficile d’ajuster pendant le processus d’animation si des changements doivent être apportés ou si quelque chose doit être corrigé. Cela étant dit, lorsqu’elle est utilisée correctement, elle peut créer un grand mouvement tout au long d’une animation.
Pose to Pose, cependant, nécessite une approche plus systématique dans laquelle seules les poses les plus essentielles qui racontent précisément l’histoire sont animées.
Cela permet de travailler plus simplement et de s’assurer que les proportions et le timing sont corrects avant d’ajouter des images supplémentaires plus tard. C’est excellent pour les scènes au rythme lent ou celles qui ont un contenu émotionnel car cela laisse aux animateurs plus de temps pour se concentrer sur les expressions faciales et le langage corporel.
L’action directe et la pose à la pose peuvent être utilisées ensemble pour un effet optimal. En utilisant les deux approches ensemble, les animateurs ont plus de contrôle sur la qualité de leurs mouvements.
L’action secondaire fait référence aux actions qui soutiennent l’action principale d’une scène. Il s’agit généralement de petits gestes, mouvements ou expressions qui renforcent l’action principale et ajoutent de la vie à une scène.
Il est important de veiller à ce que ces actions secondaires ne détournent pas l’attention de l’action principale mais la mettent au contraire en valeur. Par exemple, si un personnage marche dans une rue, l’action principale serait la marche, tout détail supplémentaire comme les expressions du visage ou le mouvement des mains étant considéré comme une action secondaire.
Cependant, ces petites nuances doivent être utilisées avec parcimonie et placées uniquement au début et à la fin du mouvement pour un effet maximal.
En outre, il est important d’observer comment les actions secondaires naturelles apparaissent en étudiant des exemples de la vie réelle, comme la façon dont les gens bougent leurs bras lorsqu’ils marchent naturellement. En procédant ainsi, les animateurs peuvent s’assurer que les actions secondaires améliorent l’action principale plutôt que de la détourner.
La mise en scène est une partie essentielle de l’animation et consiste à placer soigneusement les personnages, les décors et les angles de caméra pour créer une histoire visuelle distincte. Elle fait référence à la manière dont vous mettez en place votre scène afin qu’elle transmette son sens de manière claire et efficace.
La clé ici est de se concentrer sur ce que vous voulez que le public comprenne de votre animation tout en évitant les détails inutiles.
Un plan bien mis en scène permet au spectateur de suivre facilement l’action et de comprendre rapidement son message. En outre, veillez à ce que tous les éléments d’arrière-plan soient placés de manière à mettre en valeur l’action principale qui se déroule dans le cadre, plutôt que de la détourner.
Oui, une seule personne peut créer un anime. Pour ce faire, il faut une quantité importante de temps, de dévouement, de créativité et de travail acharné. Pour produire une animation réussie, il faut posséder certaines compétences, comme le dessin, la conception des personnages, l’élaboration de l’intrigue et l’animation de l’ensemble du court-métrage.
Ils doivent également comprendre les techniques impliquées dans la production d’une animation, telles que le dessin image par image, les graphiques générés par ordinateur et le compositing.
En plus de ces bases, ils devraient disposer des programmes logiciels et des outils nécessaires pour combiner tous les éléments en une œuvre d’art achevée.
Il s’agit d’un travail de fond
Lors de la création d’un anime, il est essentiel de connaître les bases de l’animation, comme le mouvement, le timing et les principes de composition. Notre cours “Introduction à l’animation” peut vous donner un bon départ dans l’animation.
Lorsqu’il s’agit d’animation, le sempiternel débat entre la 3D et la 2D est sans fin.
Pour certaines personnes, l’animation 3D est plus difficile à animer en raison de sa nature plus complexe et plus compliquée. Pour créer une animation 3D, un animateur doit être hautement qualifié en infographie et familier avec les progiciels numériques tels que Maya et Autodesk 3DS Max.
Certains pensent que l’animation 2D peut être aussi difficile que l’animation 3D car elle nécessite une touche artistique et repose beaucoup plus sur les compétences en dessin et le sens de la créativité de l’animateur. Comme chaque image doit être dessinée ou manipulée séparément, elle peut prendre beaucoup plus de temps que l’animation 3D.
En conclusion, l’animation 2D et l’animation 3D comportent toutes deux des défis différents qu’il faut surmonter pour réussir. Tout dépend du type de projet que vous envisagez de réaliser et de vos compétences.
Si vous êtes nouveau dans le domaine de l’animation, nous espérons que ce post vous a donné une introduction utile aux 12 principes.
Ce sont des directives fondamentales que tout artiste doit comprendre pour créer des animations réussies. En suivant ces principes, vous pouvez créer des personnages et des scènes réalistes et captivants.
A mesure que vous vous familiariserez avec ces principes, vous développerez votre style et trouverez d’autres façons de les appliquer. Prenez donc votre temps pour apprendre l’animation et continuez à vous exercer.
Vous pouvez demander conseil à Tom Bancroft par le biais de notre cours “Introduction à l’animation.” Dans ce cours, il a expliqué en détail les 12 principes de l’animation et le processus de création d’une animation époustouflante.
Aussi, consultez nos cours “Maîtriser l’éclairage et l’ombrage” et “Fondamentaux du dessin” pour apprendre les bases de l’anatomie humaine et créer des animations réalistes.
Pour trouver d’autres cours de ce type, consultez la collection de nos cours de dessin en ligne. Du niveau débutant au niveau avancé, nous avons quelque chose pour tout le monde.
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